Sunday, October 31, 2010

Lo viejo. Lo nuevo.

Lo nuevo es

Hablar es una palabra de 6 letras. La palabra “seis”, no.

Deus amae ironiatum complexia.”

El día que se bombardeó Hiroshima, la humanidad perdió su inocencia.

Una flatulencia de 6 años y nueve meses equivale a la masa crítica de una bomba atómica.

La oración anterior no tiene sentido científico, pero hablar de pedos y bombas atómicas lo tiene.

Además de los lemmings, los humanos son la única especie que se “suicida”.

En su “procesamiento”, el cerdo es el animal más aprovechado : 90% de usos. Desde el alimenticio hasta el médico y textil.

El orgasmo de un cerdo dura 30 minutos, más del 77% de las mujeres de 40 años reporta nunca haber experimentado el orgasmo. De un cerdo.

Además de los humanos, los delfines son el único animal que cree que “hace el amor”.

PUNTO


Los diestros viven en promedio 9 años más que los zurdos.

La población homosexual es un 35% más zurda que la heterosexual.

Freddy Mercury no era zurdo.

Hasta 1972, la homosexualidad era considerada una enfermedad mental en E.U.A.

en el 2004, por cada página web no pornográfica, había 7 que sí lo eran. En el 2009, la relación es de 1 a 16.

El 65% de las páginas web pornográficas es creada en E.U.A.

PUNTO


Tomas Alva Edison temía a la oscuridad.

Esta comprobado que las personas afroamericanas con mayor concentración de melanina son más resistentes a enfermedades como la viruela.

El término “Viruela” viene del latín “Virae”, que significa “veneno”.

Médicamente, es permitido fumar de 1 a 3 cigarros al día en locaciones tales como minas, basureros, y ciudades como el Distrito Federal.

La densidad de personas pelirrojas del D.F es de 1 por cada 100,000 personas.

La densidad de personas pelirrojas en África del Norte es de 1 por cada 4 millones de personas.

En espectro lumínico, después del “rojo” sigue el “negro”.

El corazón de un canario late aproximadamente 1000 veces por minuto.

PUNTO


Con 1000 pesos – 25 / Junio / 2009 – se compran aproximadamente 2.5 canarios.

Hay más billetes de 100 dólares en Rusia que en E.U.A.

Hay más gatos “Azul Ruso” en E.U.A. que en Rusia.

La gente habla con los gatos. Nunca al revés.

Al revés”, al revés, no es “Al revés”.

PUNTO


Por que lo viejo es.

Los colores de los objetos percibidos por el ojo humano, no son el color percibido por el ojo humano. Son todos menos ése.


Pérez es a México, como Chang a China, Smith a E.U.A. y Rodríguez, a Cuba.

Punto.

No es que yo sea un gran escucha. Es que tú simplemente no te callas.


Saturday, October 30, 2010

Reseña de la exposición de José clemente orozco: “Pintura y Verdad”

Vi la exposición con ojos nuevos, es decir, deje cualquier juicio o idea que tenia de orozco antes de entrar y fui lo mas sincero en mi percepción, y seré sincero de nuevo, se me hizo una porquería. No conozco toda la obra de orozco pero lo que estaba ahy era despreciable, lo único que se salva son los murales pintados en la construcción. Tratare de no repetir lo típico y haré un juicio totalmente desde mi punto de vista. Me di cuenta como había empezado con caricaturas y con retratos y al final realmente hacia lo mismo, solo que a la moda de la época, y se había pirado, mucha sangre, y formas que me remiten a Rusia impregnan su obra final, grandes y pesadas. De verdad no lo disfrute y ahorita que trato de acordarme estoy pasando un rato desagradable, vaya, ni siquiera tiene sensibilidad para combinar bien los colores, solo son plastas. en fin, creo que al final estaba loco, loco en el sentido de pirado, como un esquizofrénico, y como el, muchos mas esquizofrénicos han logrado convencer a las masas de alguna realidad, en su caso una especia de lucha interminable sangrienta y disque poética. Pero bueno, creo que la culpa no es del pintor si no de la gente que ve esas cosas y cree en ellas. Lo que si disfrute de ir a la exposición fue que me abrían las puertas cada vez que entraba a una sala, también me deleite en la tranquilidad y el silencio de el patio central.

❋❋☆€ᏫᏫ£ ΞƒƒeKŦ§☆❋❋

propuestas de portada:

la más minimalista primero:


y las demás:






y para contraportada:



Guion para presentación del libro Ad Reinhardt “Una pagina de chistes”. Para leerse en un tono cercano al de Jonathan Edwards predicando su “Sinners in the Hands of an Angry God.”

-Jose Luis Sanchez Rull


Lo difícil es platicarles las páginas de Ad Reinhardt, como difícil es platicarles sus pinturas obscuras con retículas invisibles, platicarles la relación entre textos e imágenes de las páginas de Reinhardt y sin perder el chiste.

Un artista nunca debería abrir la boca pero…

Esta pagina es un mundo plástico en si misma.

No, las paginas hay que verlas con un ojo, un ojo que no sea un huevo vacio ni la carcacha de una cámara si no el sentido-ver de un sistema-estructura que es la caja cerebro de cada uno.

Estas páginas son una investigación en cuanto a lo fundamental advierte Ad al espectador (tu)…

Y en COMO VER LAS COSAS a través de una copa de vino, critica al hacedor de cuadros como el peor enemigo del pintor moderno ya que este provoca en la gente la ilusión de que no necesita saber nada de arte ni de historia del arte para entenderlo.

Pero el mirar no es tan simple como podría verse y en cuanto a un cuadro, si no vale mil palabras al diablo con el.”

Al terminar la reseña, el hit parade de copas de imitación clásica, de crudas impresiones, de copas de las que uno nunca se le ocurriría beber (como la de Van Gogh), copas futuristas que siempre se verán como un perro caminando o una cola que se menea, copas constructivistas: elementos estructurales de todas las copas y de todas las cosas: ¡un finales y un muy fresco comienzo! . . . entonces deja un plano en blanco: inténtalo tú mismo, tú tienes el cosmos en un color.

No terminamos, si no que empezamos con un espacio plano. Un artista trata de darle vida – tu eres finalmente su tema - , el intentara darte vida. Interesantemente en la parte inferior de esa página hay un monigote encolerizado y rompiendo copas. ¿Hay que verlo!.

Hemos visto que tanto la luz como el tiempo son espacio, que usted mismo es un espacio.

Virulento y acertado, algunos estilos contemporáneos:

Abstracción del ojo de pescado y de la higiene femenina.

Abstracción de remiendos y edredones

Neofilisteismo

Clasicismo Romántico

Regionalismo Geométrico

¡Oye, a poco no cualquier maldita cosa es ahora abstracta?, ¿oye?

¿JA JA ESTO QUE REPRESENTA?

¿JA JA TU QUE REPRESENTAS?

Una página para la noche-que-se avecina sobre el Arte, por Ad Reinhardt.

Guiamos al público por las narices y les damos atole con el dedo.

EL ARTE ES UN MISTERIO PARA TODOS EXCEPTO PARA MI.

Mas es más:

Se arrogante, se elegante, se listo, dales el puño, dales la muñeca, mételes el dedo.

Soy un artista y quiero pintar tu retrato, mielecita, dame un besito.

Importante subrayar esta constante antipatía en relación a sus colegas, Reinhardt sufría de un odium figulinum crónico:

Museo del Arte Común y Corriente

¡El club más grande del condado para gente como nosotros!

¡Todo tipo de expresionismos!

¡Todo el mundo es nuestro amigo!

¡A todos los amigos los quiero en la presentación!

Ahora, Reinhardt siempre, siempre se incluye en el rebaño, no se hace de enemigos, más que de ese enemigo que trae colgado a la espalda.

A su vez se cuelga de una de sus ramas genealógico-explicitarías para tirar patadas a las galerías interesadas en la “estética sobre volumen de negocio y técnicas mercantilistas.”

Escuchemos lo que piensa sobre los concursos:

UNA NOTA SOBRE LOS CONCURSOS

Un concurso es una carrera de ratas, un pinche asunto de perro-come-perro y una total cancelación de la actividad creativa. No hemos tenido un siglo con un arte – culto – en divorcio de – una – vida – dedicada – a - conseguir – el mugroso dinero mal habido. Un artista creativo genuino no compite con nadie más que consigo mismo, ¡que chingaos!

Por treinta monedas Judas se vendió a si mismo, no a Cristo.

(No voy a entlal a la competencia de la Pepsi-Cola porque podlia no ganal plemio)

¡Tu sufrimiento de melcocha!

El artista como sabio demente de libre ir y venir

El artista como criatura de las circunstancias y los curadores

El artista como victima de las fuerzas ciegas y los críticos

El artista como parasito de la naturaleza y el mecenazgo.

A través de sus páginas de chistes visitamos el bolerama, las carreras de caballos y el box, los mándalas, las lecciones de anatomía, óptica y física quántica:

Paja: Pollock contra Dekooning, el gato rastrero de Wyoming contra el carnicero Holandés.

Viejo sentimental contra neo entusiasta.

¡LAESCUELADENUEVAYORKYAFUE!¡ELARTEDEVANGUARDIAESTATOTALMENTEFUERA!¡ELJAMONAMERICANODELAOBSTRUCCIONABSTRACCIONEXPRESSEXPRESIONISTASEDESGASTABAJOPRESION!¡BUENDIA!

¡Más goterones!

¡Más fantoches!

¡Más sangre, más objetos!

¡Más mártires, más negocio!

-Hazte a un lado, yo quiero pintar mujeres bellas e internacionales

-Mi amor

Una pintura abstracta reaccionara a ti si tú reaccionas a ella. Obtienes de ella lo que le das. Se encontraran a medio camino, pero no más allá. Esta viva si tu lo estas. Representa algo y tú también. Tu, mi señor, eres espacio también.

JA JA TU QUE REPRESENTAS

Estimado Sr. Reinhardt

Permítame felicitarle por su serie PM sobre el arte moderno, que increíblemente se las ingenia para ser igualmente informativa y divertida. La mayor parte de los acólitos del arte moderno tienen tan desagradables y respingonas actitudes hacia el no experto y sin tutoría, como yo, que simplemente invitan a la irritación, pero su fervor de misionero esta tan bien templado de humanidad y buena disposición que es una delicia.

Sinceramente suyo,

Sinclair Lewis

El arte no es una bolsa de trucos del oficio o habilidades de repetición y macheteo, una propiedad de pocos, si no una peligrosa arma de propaganda para cambiar y controlar el mundo para que todos puedan ser más creativos.

Por ultimo:

THEY SAW POETRY IN THE FACT THAT THEY WERE NO LONGER LYING, observa Anna Karenina en cuanto a los trastornos hacia el realismo en la pintura francesa después de una sobre sofisticación hermética en el manejo de técnicas y temas, Reinhardt observa esta poesía, produce esta poesía, su obra y sus páginas de chistes son desbordantes de ella.

An honest tale speeds best being plainly told.

William Shakespeare, Richard III

Esa es una, la otra es enmarañarlo todo pero dejar al que te escucha con la sensación de que con toda la complejidad y la contradicción de describir como las cosas deberían de ser, como se debería ver, desde una escena particular del arte, con sus antagonismos, diletantismos, comercialismos y mediocridades, insiste esta claridad, este bien y firmemente apuntalar el como ver.

No it ain`t going to be easy getting no sweet gorgeous girlfriend, but now at last we start to know better HOW TO SEE.”

Whatever colors you have in mind, I show them to you and you see them shine.”

Bob Dylan – Nashville Skyline






Thursday, October 28, 2010

ASTERISCO*1 - Diseño


DENLE CLICK A LA IMAGEN PARA PODER LEER EL TEXTO QUE VIENE EN MEDIO.

Aquí va la portada que les había presentado antes, para economizar tintas el texto podría ir sin color, mostrando el color del material de fondo. Osea que tendría que ser un color muy claro o un poco oscuro para que no se mimetice con el cartón que se escogió: propongo magenta o morado.
Si va a dos tintas entonces no importa el color de fondo que se elija.
Ah! propuse una abstracción del nombre a partir de su símblo, con el número de a edición para el lomo. Tamaris.

La eternidad de los objetos de arte.

El arte está asociado con lo nuevo y lo viejo, con la vida y la muerte, es un triunfo ante el tiempo irreversible de la historia del arte, si se representa el pasado se está representando la propia muerte de algo nuevo, es así que la vida llega a un desgaste y envejece al trascurrir el tiempo. El pasado se ve como un retroceso al presente que nos lleva a crear algo vivo, nuevo e inmóvil en la realidad contemporánea, si logra mantenerse en la existencia puede decirse que será eterna.

Existe una falsa conciencia del tiempo que paraliza al artista, este es el proceso de producción en el cual se ven obligados a diferenciarse de la presencia pasada (obras ya establecidas en la historia del arte), es un pasado que encierra un poder superior al tiempo, que denota vida aparentemente eterna con la sobreprotección colectiva: Estado, historiadores, artistas, galeristas, críticos, curadores, coleccionistas, etc. Es una conservación retorcida del arte, que a la vez genera lo nuevo y que por sí sola se desplaza al pasado. La preocupación por crear algo presente, nuevo y vivo para la memoria colectiva puede ser engañosa y más aun pensar ambiciosamente en adentrarse en el sistema y en el mercado del arte, es importante concientizar que al competir contra el pasado se compite contra la muerte, no se puede ser dios como para resucitar su propia creación, pero ¡sí! se le puede otorgar nuevamente existencia entre las cosas, diferenciándolas a partir de la funcional de lo que para hoy es viejo.

La construcción de la historia puede ser la base del tiempo para el desarrollo del conocimiento, pero también es la base innatural del tiempo del que no conocemos, es una memoria impersonal, escrita y administrada por el poder. El sujeto tanto como el objeto tiende a permanecer inmóvil en el tiempo irreversible de la historia, es un modo de comunicar las cosas ya establecidas y concientizar que están muertas para el presente pero tienen vida mientras estén expuestas ante la mirada del arte. La historia general se construye colectivamente de la memoria ajena, la historia de una obra de arte se edifica a partir del desprendimiento personal que su vez garantiza un lenguaje que permanece en la memoria colectiva incorporarlo continuamente fuera de la muerte.

La memoria es un concepto que tiene la facultad de retener, recordar y reconocer el tiempo irrevertible del las cosas, en el se almacena el pasado vivencial. Cualquier elemento vivo o muerto tiene una carga memorial irrepetible que genera eternidad existencial. ¿Cómo es que la memoria de un objeto se transforma en conocimiento para el estudio de la historia? Esto sucede cuando deja de ser un simple objeto para ser un objeto de arte, esto a su vez está asociado con la protección de una memoria colectiva lo cual lo hace eterno pero envejece de cualquier manera. Así La memoria se transforma en un conocimiento de experiencias esto es para beneficiar una actuación futura del pensamiento.

“El arte de vanguardia no expresa ningún gusto, ni el gusto del público, ni el personal, ni tampoco el gusto de los propios artistas. El arte de vanguardia es elitista, simplemente porque se crea bajo una obligación a la que el publico general no está sujeto” (Boris Groys). La vanguardia no se refiere a ser más abiertos con el concepto histórico, ni ser más radicales con el pasado, es más bien interpretar nuestro propio tiempo, representar el lugar donde estamos parados y personificar el espacio donde queremos situarnos, demostrando siempre lo imperceptible, lo intangible, lo ilegible de las cosas que viven y que están presentes en nuestro entorno y que a un corto o largo plazo serán revaloradas como una obra de arte, a partir del pensamiento interno. Un objeto que está presente en el arte, lo está por que el artista parece estar presente y vivo en el objeto.

Una memoria que proviene de los objetos le otorgan poder al pensamiento del hombre, la reflexión y visibilidad de la memoria son aspectos imperceptibles, si no existe la experiencia jamás será posible mirar todo el panorama de la superficie eterna.


Luis Valverde

exposición de J.C. Orozco en San Ildefonso

Mi impresión general de esta exposición es que integra de una forma eficaz las etapas más destacables de un pintor que, por su voluntad representacional y por su determinado carácter sigue siendo vigente. Con un total de 34 ejes temáticos el espectador puede sentirse partícipe del desarrollo del estilo pictórico de Orozco, así como entender el contexto en el que se desenvolvió, pasando de las prostitutas de cabarets, tanto como las instituciones que lo vieron crecer en el muralismo mexicano. Considero que las obras se encuentran bien organizadas y en un clima propicio para cada técnica empleada. Los recorridos de la exposición (que involucraban salir y entrar por las muchas puertas del complejo de San Ildefonso, así como falta de algunas señales) me parecieron un tanto complicados. Por otra parte, en el módulo de información se me ofreció la visita guiada de un guía en específico, el cual se ausentó debido a una supuesta entrevista para dar promoción a la exposición, situación que retrasó mi recorrido y en la cual colocaron a una guía reemplazo que dejó tanto que desear, que me vi en la necesidad de realizar el recorrido por cuenta propia. En materia de pintura, encontré obras específicas con las cuales tuve mayor empatía, como la primera zona, de retratos al óleo, una etapa que desconocía del pintor, y además una que no parece repetirse en términos de representación en el resto de la exposición; así también de manera curiosa, otra de mis favoritas fue de sus últimos años, donde comienza a representar fantasmagorías propias de un hombre que se va topando frente a frente con la muerte que viene cada vez más cerca; quedan fuera las representaciones del México social y representado ya de reiteradas maneras, y lo substituyen alucinaciones, cráneos, paisajes surrealistas pero con una carga de melancolía que llamó mi atención sobre lo demás. Comprendo a Orozco con un contexto bien determinado, que es la asimilación de la revolución y las propuestas didácticas de las instituciones académicas del México del siglo XX. Partiendo de ahí, lo que encuentro digno de ser resaltado es un discurso que parte más de lo impetuoso, del choque de contrastes, de la afrenta, que de un mensaje político monótono y puramente ilustrativo.

Joao Balderas.

Ejes temáticos: (34 en total, exhibiendo 379 piezas)

'José Clemente Orozco: pintura y verdad'

• Retrato
• Caricatura
• La casa del llanto (acuarelas)
• Caricatura (2)
• Escuela Nacional Preparatoria
• Pintura (1)
• México en la Revolución
• Gráfica (1)
• Pintura (2) (Nueva York)
• Prometeo
• New School for Social Research
• Épica de la Civilización humana
• Catársis
• Gráfica (2) (1935)
• Paraninfo de la ciudad de Guadalajara
• Palacio de Gobierno de Jalisco
• Hospicio Cabañas
• Pintura (3) (1940-1945)
• Dive bomber and tank
• Suprema Corte de Justicia
• Alegoría de la mexicaneidad
• Apocalipsis (templo de Jesús de Nazareno (1942-1944)
• Ballet de la ciudad de México
• La primavera
• Turf club (1945)
• La verdad
• Pintura y gráfica (1946)
• Los teules
• Escuela Nacional de Maestros
• Retrato de Don Benito Juárez y alegoría histórica de la Reforma
• Pintura y dibujos (inéditos, 1949)

Reseña de exposición: José Clemente Orozco en San Ildefonso. Por: Juan Manuel González.

La muestra retrospectiva José Clemente Orozco, pintura y verdad, que se expone actualmente en el Colegio de San Ildefonso, y curada por Miguel Cervantes, se trata de la mas completa que se haya realizado sobre la trayectoria del artista jalisciense desde 1979.
En esta se hace un camino por cinco décadas de su producción artística, caricaturas, acuarelas, temples y dibujos, así como litografías, retratos, fotografías y tres murales son obra en las cuales su estilo épico se funda con un realismo de carácter expresionista, juiciosamente unido a las viejas tradiciones artísticas mexicanas, de agresivo dinamismo y amplia factura.
La museografía, organizada en gran medida por la arquitectura del antiguo colegio de San Ildefonso, se ha dispuesto en salas numeradas, ofreciendo secuencias y haciendo necesario la observación de los murales del sitio, para luego ser confrontados con los numerosos dibujos en los que se plantea el origen de los murales.
La trascendencia social de su pintura y el compromiso con las causas sociales, como la injusta situación del indígena, actualizan y dan frescura a su trabajo, pues las problemáticas, que siguen vigentes, deben hoy mas que nunca ser tratadas por el arte.

Comentarios de la lectura Sobre lo nuevo de Boris Groys. Por Juan Manuel González.

Parece demasiado a favor de las instituciones un artículo que defiende al espacio del museo como el único lugar posible para que se de lo nuevo en el arte, mientras que el arte allí vuelve a la vida. Sobre todo suena aún mas perturbadora la idea, cuando gran parte de los ejemplos que Boris Groys utiliza son Jesús Cristo. Investigando un poco mas sobre la vida de este autor, descubro que Boris Groys nace en la Alemania del este y que escribió Sobre lo nuevo cuando aún era comisario de arte en Rusia. Entonces me dan ganas de atacarlo mediante la falacia ad hominem, y decir que este tipo sólo quería quedar bien parado con la institución que le estaba dando la chamba, pues su argumento de porqué el espacio por excelencia debe ser el museo, es retórica pura. Son discursos psicológicamente persuasivos pero incorrectos. Sin embargo, rescatando algo interesante, para Boris Groys, lo viejo y lo nuevo guardan una relación mucho mas compleja que la de simple mirada tradicional de superación de uno sobre otro. Más bien lo nuevo no es mas que la re-valoración y re-significación constante de lo ya existente. Lo nuevo aparece como criterio de valor, y las obras de arte y los bienes culturales en general destacan, principalmente, si pueden esgrimir su carácter de nuevos. Por lo tanto es a través del museo, de la preservación del presente y colección del pasado que nuestra imagen de la realidad se va construyendo.

sobre lo nuevo de groys

Las posibilidades de creación y comparación de los archivos existentes siempre exigen o encaminan una lectura de lo ya hecho y no de lo que se hará. Por ejemplo , al ver una obra siempre lo que decimos habla más de nosotros y las comparaciones con otras , que lo que la obra en sus términos formales y narrativos plantea, existe el “backcground” cultural del constante flujo marcado en esta época por la posibilidad de información y los medios tecnológicos en que nos llega. Por ello pienso en algo a reflexionar en esta época de las “revisiones” y las prácticas artísticas proyectadas siempre al pasado por los lectores (instituciones, grupos de curadores, productores del mercado y de producción especializada etc.).
Con ello no refiero una censura que permita hacer el gran filtro de distinciones y marque el camino del “nuevo arte” sino mas bien, hablo de obras y prácticas artísticas que complejicen narrativas con un amplio marco de conocimiento, la inclusión de conocimientos de ciencias exactas y ciencias humanas aplicadas en los razonamientos y estructuración de las obras a producirse.
Esta idea se ha ido trabajando en las últimas décadas, pero es necesario darnos cuenta de la importancia de dicha vinculación entre diferentes campos de conocimiento. De esta forma, pienso que el arte en vez de que pueda ser un espectáculo servil a la “LaChapelle” será un menú de cuestionamientos desdobladles que las instituciones y sectores de poder querrán censurar, pero los “Cantos cívicos” del arte estarán ahí y tendrán resonancia en la época del archivo y el flujo de información.

Gabriel Ávalos Sánchez

Orozco: pintura y verdad

Línea suelta y de calma, colores fríos y cálidos, voces y vestigios que se hacen presentes, actuales “modernos”, cruce de pensamientos nacionales que logran la globalidad visual y la otra conquista de México en la cultura mundial en medio del período entre guerras, viendo el nuevo imperio norteamericano en el mapa, con el contrastado México del llamado “Maximato” o el ansiado progreso industrial de Cárdenas en la coyuntura bélica.
Las putas y las caricias, borracheras color tenue y sarcasmos lineales sintéticos expuestos en los diarios, o en técnica litográfica. Los temas por abarcar y abarcados: político, social y mundanos, actitud de vida y placeres sirvientes de las bohemias de los años 40 en las casas del placer, ya se divisa la segunda guerra mundial y en Nueva York otro complejo muralístico por pintar. Personajes, símbolos de cambios mundiales: Lenin, Cortés, San Francisco, reunidos y atravesados en una mano y pensamiento brillante, por fin el arte es “social “ pensaron unos en aquel momento, lo cierto es que está en la esfera del arte que es arte, el arte no sólo de la imaginación y el punto sobre el plano, la belleza está ahí, radica en la actitud de vida a través de los símbolos que se toman, que se eligen, más allá que sean identificables para muchos, que sean identificables para uno mismo, pienso yo que Orozco pensaba en ello durante la construcción de sus murales y su obra en caballete. “Lo que nos trasciende es lo que tomamos” me deja pensando ahora después de las monumentales pinceladas en pequeño y gran formato.
“Manifestación” expresión continua y contundente, sarcástica de sonrisas sórdidas en el siglo de las grandes guerras es una de las tantas muestras de furia, desolación, la sonrisa desenfrenada de las masas que cubre la boca de litográficos personajes reunidos, es la expresión de la locura del sin saber, la sombra de la conquista, la conformación de la república, la del Hauizote impreso burlón, la catequización a través de la colonización, la Revolución constitucional, la síntesis de los monstruos

personales . La risa cínica del sarcasmo cuando Jesús rompe su cruz, la risa disfrutable de una noche en el burdel. La risa de las risas de la pintura en trazos litográficos , quizá encarna la misma risa de Orozco al saberse inmerso en el medio institucional de la cultura, y expresar a través de sus imágenes auspiciadas en los muros gubernamentales, la risa de llegar a pintar lo sabido de la historia y de la sociedad pero lo que no se toca ni se habla en ellas, lo que se sabe pero que no es tema en el cual el gobierno indague pero el arte lo hace y lo proyecta monumental “ que no escape a los ojos de los demás” después de ser prodigio de un trazo excepcional: Orozco de los muros al boceto, del caballete al papel, de la ciudad al campo, de las películas al bastidor, del burdel a la Escuela Nacional, de lo contemporáneo a lo tradicional, de las putas a las bailarinas de ballet, del conquistador al conquistado, Orozco cabalgador de lugares.

Gabriel Ávalos Sánchez

OTRA PROPUESTA


EN M

Boris Groys- De lo nuevo en el arte

Boris Groys- De lo nuevo en el arte

Desde el primer acercamiento a la teoría del arte se plantea directa o indirectamente, una pregunta primordial ¿Qué es el arte?, es a mi manera de ver, una manera más sencilla de llegar a un acercamiento, respondiendo a ¿Qué no es el arte?.
En el instante mismo en que se decide romper con el arte institucionalizado existe un proceso de innovación, que más allá de expresar la libertad misma del que rompe, afirma su posición de creador de cultura como alguien sujeto a una obligación de producir lo nuevo, esperando que esto nuevo llegue a un grado de verdad; esta idea hace paralelismos con la imagen del artista como un ser dotado de una percepción diferente, incluso mayor del mundo, una especie de misticismo o genialidad de la cual depende la sociedad para poder recibir revelaciones. Pero es en este caso que Groys aclara, que lo nuevo no radica en la revelación, o el sentido, o la belleza como realidades ocultas, en la búsqueda de lo nuevo por lo nuevo.
De manera simplificada hay que aclarar que lo nuevo solo es nuevo en relación a lo anterior, al contrario de lo que se supone como una referencia a algo no descubierto. El texto hace referencia al proceso de innovación como un proceso de “transmutación de valores” que vinculan al arte con la economía.
Al respecto de esta vinculación, la afirmación del lo nuevo y el arte como un deseo de éxito y dinero adquiere una posición difícil cuando se trata del valor del arte, la referencia a a criterios culturales o estéticos se reduce pues a publicidad y un buen manejo del curador o manager. El discurso artístico está dado entonces por el que mueve la obra en este ámbito.
Los círculos del arte de los que nos habla Danto pueden abrir la percepción del creador, no solo como el que produce la obra si no como el que lucra con ella, es un hecho, que la obra del curador es generar un discurso con el discurso propuesto por el artista en su obra, un circulo perfecto que ejemplifica la política mercantil o institucional del arte actual.

Mónica Berenice García Martínez

Propuesta Diseño

Ensayo

Sobre la necesidad de la Pólvora.

Yollotl Alvarado

Trabajar siempre con la posibilidad de transgresión al nivel de lo real.

Es decir, hacer trabajos que no existan simplemente en el espacio, consentido, consagrado, sagrado. Que no acontezcan simplemente en el nivel de la tela, de una superficie, de una representación. No trabajar más con la metáfora de la pólvora: Trabajar con la Pólvora misma.[1]

Inserciones en circuitos ideológicos. Cildo Meireles.

1-. El aparador retacado.

La estructura de producción, exhibición y distribución de las obras de arte dentro de un sistema capitalista, apunta a la estabilización del espectador como una figura pasiva , es decir “el espectador no debe trabajar con su propia cabeza: toda conexión lógica que requiera esfuerzo intelectual es cuidadosamente evitada.”[2] Esta relación social del artista con el público, mantiene la verticalidad como sistema de comunicación, aprendizaje y funciona como reelección silenciosa del sistema de producción, contribuyendo a la solidificación de una estructura que no ha funcionado y que en un país como México solo puede acrecentar los contrastes sociales y debilitar la unificación de comunidades de desarrollo social, cabe mencionar que “abastecer un aparato de producción, sin tranformarlo en la medida de lo posible, es un procedimento sumamente impugnable incluso cuando los materiales con que se le abastece parecen ser de naturlaeza revolucionaria.[3]

“El mundo contemporáneo se caracteriza por la prevalencia total del fenómeno al que Karl Marx llamó fetichismo de la mercancía. Este término, a menudo malentendido, indica mucho màs que una adoración exagerada a las mercancias… Se refiere al hecho de que en la sociedad moderna y capitalista , la mayor parte de las actividades sociales toman la forma de mercancia , ya sea material o no.[4] El fetcichismo de la mercancía relega la importancia, la repercussion y la intención de los objetos o actos artísticos y hace que su valor se riga únicamente por las leyes del dinero y la acumulación capital. Este fenómeno aunado a la intensa y proliferante producción de imágenes en el mundo actual , genera y constituye a su vez otro fenómeno que nos afecta, este consiste en la infinita acumulación de mercancias artísticas en las que lo discursivo se disuelve a los pies de la economía, se enfatiza también la mediatización de las figuras “artísticas”. Por esta razón vale la pena cuestionar directamente: ¿Cual es la necesidad de seguir representando en un mundo colmado de representaciones?[5]

Dejar las representaciones a un lado y en su lugar crear intervenciones en la realidad, que repercutan a una comunidad específica, se ha vuelto una actividad mucho más propositiva y activa, a esta se le ha cuestionado por “alejarse” del arte y es ahi dónde las concepciones de la función del arte toman la rienda de la discusión, aunque por el momento no desarrollaré a fondo este tema, ya que considero que la importancia de la acción y la consecuencia de la misma es mucho más potente que la necesidad de enmarcarse dentro de lo que se le llama “Arte”.

La estrategia con la que un productor decide incidir en su entorno , se trabaja necesariamente desde el primer momento de gestación de una obra de arte, desde la decisión de si la obra debe ser una mercancía, una experiencia o una herramienta. De la misma forma la conciencia del impacto de la obra a nivel social, psicológico , politico, económico e histórico y el diálogo que mantiene con la actualidad , también define una postura ante el contexto, “como sabemos, las relaciones sociales están condicionadas por las relaciones de producción. Por lo tanto surge una serie de preguntas : ¿Cuál es la posición que mantiene una obra de arte con respecto a las relaciones sociales de producción de la época? ¿Está de acuerdo con ellas, es reaccionaria, o tiende a su superación, es revolucionaria?”[6] ¿De que sirve seguir produciendo obras que funcionen únicamente como mercancía?, ¿Por que no convertir al espectador en interlocutor?.

Por último hay que mencionar dos temas que permitirán aclarar la dirección de este ensayo, el primero es la función de los espacios de exhibición desde las estructuras institucionales y su letargo en la rececpicón de obras de arte activas o vivas, es decir cómo los museos no poseen la capacidad de que el sistema de mercancias desaparezca y que las obras vivas ocupen el espacio, esto está ligado a su vez a la noción que dio origen al museo “en el contexto del proyecto ilustrado que tiene que ver con esa vocación ecumenica característica que aspira a establecer una definición genérica universalizada de la misma condición humana.”[7]En esta idea se anula completamente la existencia de la subjetividad, la multiplicidad de opiniones y sobre todo la experiencia individual y el intercambio horizontal de los conocimientos que se producen al participar o recibir una obra de arte.

La idea de que el museo tiene el “encargo de producir el dispositivo de escenificación histórica” que determinará el curso de las nuevas producciones pero como un estado de superación del pasado bajo el argumento de que “aquello que está expuesto en un museo se considera automáticamente como algo perteneciente al pasado, como algo que ya está muerto.” Es la que no ha permitido la integración de practicas artísticas que no respondan a los intereses del sistema capitalista y a la estructura de un museo.

El Segundo tema es la idea de que ya no es necesario que los acontecimientos sean comunicados en función de la lógica del espectáculo para integrarse a la historia y a la memoria, para empezar ya no existe una sola historia ya que la multiplicdad de construcción de documentos y archivos y la libre distribución de los mismos a permitido destruir la imagen de un pasado “definido” y ha dado pie a historias múltiples en donde la experiencia vivida y la subjetividad toman fuerza y la linealidad es fragmentada.

2-.Reciprocidad y Autogestión.

Generosity exist in exchanges, like conversations, and within temporal experiences shared by a social or communal body, which are conceived as art, crafted by artists, though these generous acts might not look like art, or in fact be art but become art- like moments.[8]

Mary Jane Jacob

Una de las posturas más interesantes que han ido en contra del sistema de las mercancias en el arte es justamente la que promueve el arte como una experiencia, donde el espectador no está atado a ser receptor de discursos y propuestas, sino que se convierte en accionador de situaciones e intercambios a manera de interlocutor.

Junto con el advenimiento del internet y el libre flujo de información , los artistas han buscado desmitificar la figura del artista como genio creador y abrir una discusión en el que participan los artistas y el público al mismo nivel, esto no repercute únicamente en el arte sino que también en la educación.

La apertura a la que se llegó cuando el arte se proclamo como cualquier cosa, dio pié al surgimiento de proyectos que trataban de atender problemáticas sociales, políticas y económicas desde el arte, dentro de estas me gustaria destacar el proyecto The School of Future de Cassie Thonton:

School of the Future is a project about what a school can be. We'll open this July as an inter-generational free school for the community around Sgt. Dougherty Park, in Greenpoint, Brooklyn. From solar-powered lighting to a giant scrabble board, giant Tyvek mountains and experimental food sculptures, the School of the Future is an invitation to experiment and analyze learning through the arts. Each class, performance and student-teacher exchange provides inspiration for a curriculum that allows a community to respond to a particular site, encouraging the use of under-utilized public space as a way to learn and question cultural constructs and personal responses to school and education.

La reformación de la educación, la restructuracion de comunidades activas, el desvanecimiento de los derechos de autor en pro de la divulgación libre de información, la generación de servicios, entre otros han sido algunos de los ejemplos mas claros de esta postura.

Encontramos en estas actividades la necesidad de activar desde el arte, la realidad y de incidir en ella, es decir se ha abierto la posibilidad de transgredir la representación o la metáfora de la vida y en su lugar trabajar con la misma realidad, esto también es bastante cuestionable cuando desde la perspectiva globalizada se piensa en repercusión a gran escala.

Se habla de que estas prácticas vuelven a ser representación o espacio simbólico debido a que se trabaja con la experiencia y esta es muy dificil de mercantilizar o compartir, a su vez se critica que el aprovechamiento de estas experiencias suceda en pequeñas comunidades , pero considero que ahi también radica su imprtancia, ya que se decide trabajar con el contexto próximo y esto no solo genera experiencias subjetivas sino que detona actividades similares desde lugares distintos al arte, tejiendo así redes de intercambio y discusion.

Uno de los aspectos que más llama la atención es la necesidad de los artsitas de convertir el arte en discussion-activa , parecería que algunas ramificaciones del futuro del arte se buscan en la retroalimentación de diálogos con diversos interlocutores , pero estas no funcionan solo como mapa-ruta sino como fin en si mismo.

Es interesante cuando nos aproximamos a estas nociones desde la perspectiva de las instituciones, es decir, ¿Cómo es que opera la función de un museo dentro de estas propuestas? ¿Dónde queda el papel del “Gobierno” como patrocinador de la actividad cultural, cuando lo que se propone, responde a las carencias de este mismo y de la sociedad?. Estas preguntas nos conectan directamente a la temática que tratábamos en el capítulo anterior de la función del museo.

Han existido en México recientemente proyectos que tratan estas temáticas y son intentados desde la estrucutra del museo y patrocinados por el estado, basta con mencionar dos claros ejemplos que nos permitirán analizar como el museo reacciona a estas propuestas.

El primero es el proyecto SIEMPREOTRAVEZ que se desarrolló en el Museo de Arte Moderno de la cuidad de México, el cual se proponía como una plaza pública de intercambios , actividades culturales, debates y constante producción de Fanzines y Objetos de distribución, y como aparato de demandas a la institución desde la propia institución, este proyecto aunque en un inicio parecía estar funcionando perfecto, pasó a ser censurado y terminado antes de lo planeado debido a que el museo no pudo atender las necesidades diarias que se presentaban desde cuestiones de producción como de presión gubernamental de altos mandos que no estaban de acuerdo en que el museo estuviera vivo y produciendo.

El Segundo El Jardín de Academús , un proyecto de José Miguel Gonzáles Cassanova, presentado actualmente en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo el cual tene como objetivo abrir la institución del arte al campo social y la institución educative a las practices artísticas, fomentando através de 30 proyectos una comunicación entre artistas y públicos y la inclusion de comunidades específicas. Este proyecto aún no ha concluido y sería muy precipitado sacar conclusions previas. Lo que es un hecho es que los museos han aceptado este tipo de propuestas que buscan cambiar la noción del museo como espacio de contemplación y mas bien el museo como órgano vivo y generador.

Por alguna razón este tipo de proyectos “son mejor realizados fuera de la estructura tradicional del museo y la galería. Cuando se trabaja con una audiencia ajena a los códigos prestablecidos se logra una comunicación más directa y profunda , necesaria en este tipo de proyectos.[9]

Otro de los aspectos importantes en la solidificación de estos discursos y en la reformación de un sistema de distribución, exhibición y producción es la noción de la autogestión , que se refiere a “la organización social del poder reconocido a cada cual sobre su vida cotidiana y ejercido direcatamente por los propios individuos”[10] con miras hacia objetivos puntuales, lo cuales se logran sin necesidad de cualquier otro tipo de organización institucional.

Estas nuevas rutas surgen de la “exigencia de reflexionar, de preguntarse por su posición en el proceso de producción”, y de reaccionar ante un contexto específico.[11]

Sin duda estas nuevas rutas generan preguntas importantes de atender, como: ¿Cual es el sentido de generar comunidad? ¿En que punto el arte deja de ser arte y se vuelve activismo? ¿Y si eso realmente importa?, estas y muchas más preguntas se desprenden de este tipo de aproximaciones al arte y cada vez más se le exige al los recintos institucionales ese desplazamiento en el que se intenta convertir al museo “como sistema o constelación diseminada de dispositivos deterritorializados operando a favor no del asentamiento y la estabilización de un generico universalista del valor estético, sino al contrario a favor de la multiplicación exponencial de los imaginarios colectivos y las escenas de encuentro activado en el dominio de lo público.”[12]Dejando de lado su función como entretenedor de la sociedad y du responsabilidad para con los nichos de poder capitalista.

Esta es solo una ramificación de un árbol gigantesco de posibilidades de acción dentro del panorama de la sociedad contemporánea que el tiempo decidirá cuantos frutos arroje y que tan rápido se pudran , pero al menos ofrece la posibilidad de trabajar con la pólvora.



[1] Cildo Meireles, Ciudad de méxico, Alias, junio de 2009. Pag. 144

[2] Max Horkheimer y Theodor Adorno, La industria cultural. Iluminismo como mistificación de masa. Buenos Aires, Sudamericana, 1998, pag.10

[3] Walter Benjamin, El autor como productor, Ponencia presentada en el Instituto para el estudio del fascismo, Paris, 27 de abril de 1934. Pag. 2

[4] Anselm Jappe, El gato, el ratón, la cultura y la econmía. El Viejo Topo 263, Diciembre 2009, pag. 91

[5] Preguntas a partir de sociedad del espectáculo, Carmen Cebreros (maracruz@gmail.com), Hotmail, Jueves 13 de Mayo de 2010.

[6] Walter Benjamin, El autor como productor, Ponencia presentada en el Instituto para el estudio del fascismo, Paris, 27 de abril de 1934. Pag. 2

[7] José Luis Brea, El museo contemporáneo y la esfera pública, “ Conferencia en el ciclo de “Intertextos y conteminaciones”, Signo Abierto, Valencia pag. 3

[8] Mary Jane Jacob, What we want is free generosity and exchange in recent art, cca wattis institute for contemporary art. Nueva York, 2005.

[9] Jorgen Svensson. Four projects, What we want is free, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, Nueva York 2005, pag.60

[10] Ratgeb, de la huelga salvaje a la autogestión revolucionaria, 1974 capítulo III

[11] Walter Benjamin, El autor como productor, Ponencia presentada en el Instituto para el estudio del fascismo, Paris, 27 de abril de 1934. Pag.10

[12] José Luis Brea, El museo contemporáneo y la esfera pública, “ Conferencia en el ciclo de “Intertextos y conteminaciones”, Signo Abierto, Valencia pag. 5

Wednesday, October 27, 2010

propuesta de portada sué
Sebastian Rico Esenaro
Domingo por la tarde en San Ildefonso.
(Reporte sobre la exposición de José Clemente Orozco)

México esta entrando en una nueva etapa de su vida, esta alcanzando una madures violenta, es un país que sangra y agoniza mientras se traga el llanto. Es un lugar políticamente definido, pero a su vez cada lugar dentro de él es diferente y con una cultura de muerte que impregna nuestros orígenes, que acentúa nuestra historia, que endulza nuestros panes y seduce a nuestro arte.

Es un espacio lleno de gente sumisa, con mucha sensibilidad a causa de la geografía, porque es la imposición del paisaje y la contundencia de nuestra naturaleza la que educa rústicamente nuestro sentidos. La cultura mama de la tierra. Ya sea en los costas llenas de consuelo y basura o en las estruendosas ciudades retacadas de relaciones sistémicas. Este contexto hace que haya un agujero dentro de las personas, una conciencia colectiva de frustración y sometimiento, de desinterés y conformismo pero también de esperanza y de fe. Una sociedad susceptible a su entorno natural, político, económico y humano.

Hay países que envidian nuestra cultura y no me refiero al cliché del extranjero enamorándose del mole poblano, me refiero a un sábado en el centro histórico de la ciudad de México, un recorrido por la lagunilla donde se pueden ver la resistencia de ese mestizaje cultural que se aferra en las calles y la contundencia de la cotidianidad; en estos sitios se percibe una cultura con fisuras y a veces con síntomas de atrofio, se pueden notar también fuertes corrientes de relaciones sociales y de comercio que requieren de un análisis más profundo, lo envidiable esta en la abundante variación cultural.

Solo que hay un problema, este exceso genera un desenfoque cultural, neutralizando todo el potencial de desarrollo social y en consecuencia el desarrollo artístico.

Desafortunadamente hay un desequilibrio en el entorno del mexicano ya que la mala política y la falta de una buena economía arrebatan la atención y el aliento de la gente, los que gobiernan deshumanizan sus responsabilidades y los afectados solo piensan en conseguir el símbolo de la estabilidad moderna: $. Esta situación ha generado una especie de ciclo sangriento que acontece con constancia, 1519, 1810, 1857, 1910, 1968, 1994, 2000, 2011, (por mencionar algunas fechas).
Como consecuencia: una contemplación al humano deficiente, casi ausente.

Pero hubo un grupo de personas que sentían que podían decir algo a la gente, artistas que estaban conscientes del poder de su imaginación y del impacto social de su creatividad, entre ellos había un manco en particular llamado José Clemente Orozco.

Tapatío y con bigote corto. Este hombre que pintaba bien, hizo imágenes que hablan de historia, de ideales, de fuego y de muerte. Sus trazos no mienten y con su única mano, que parecía la de veinte hombres, plasmó una preocupación que actualmente esta sedada en los artistas contemporáneos. Una responsabilidad social que lo encausó a narrarle a los del presente y los del futuro acerca de los del pasado.

Ahora puede parecer molesto tener que recordar algo que queda tan atrás. Incluso borramos la historia nuestra, por darle prioridad a estrategias pedagógicas en pos de la modernidad y la efectividad. Resulta más importante un mingitorio en un museo (sin menospreciar su valor), que la escuela, las técnicas y los procesos de los muralistas mexicanos. Está bien saber de las rupturas vanguardistas europeas y es muy sano saberlo. Pero lo que no es inteligente, es olvidar lo poco que tenemos aquí, ni aferrarnos con ciega devoción a una tradición casi extinta: El muralismo.

Creo que no está demás cuestionar por qué no nos enseñan a pintar las paredes con la maestría que alguna vez se hizo. En pensar ¿Porqué permitimos que borren en los libros de texto, la historia prehispánica para mandar a los alumnos a un taller de carpintería? ¿Porqué contemplamos con paciencia, el recorte presupuestal en las áreas de cultura y educación, para fortalecer la violencia? ¿Porqué financiamos una guerra? ¿Estamos de acuerdo con los métodos de enseñanza artística? ¿Por qué no decimos nada?

Aprendí cosas importantes acerca de la ruptura y del olvido; en una ocasión conocí el trabajo de un compañero que consistía en romper platos y armar con los trozos un plato nuevo y raro: La ruptura deja escombros de oro, mientras que el olvido lo devora todo.

Orozco vino en una tarde de domingo a recordarme estas cosas, no con los bocetillos que abundaban en la exposición sino con las fotos mal trabajadas de sus murales en todo el país y los murales dentro del museo.

Si bien la exposición que se encuentra en el museo de San Idelfonso, puede interpretarse como un intento desesperado por confirmar un sobrevalorado espíritu nacionalista, muestra aspectos muy interesantes fuera de las ideologías políticas, que exhiben un humor ácido para consolar una visión bastante trágica del pasado.

Orozco hizo con su obra un melodrama sobre la historia mexicana, un hombre impulsado por el frágil espíritu de renovación proveniente de la revolución, a pintar en las paredes de edificios gubernamentales imágenes que hablan del mal gobierno, de rebeldía, de sumisión, de dolor y de ausencia.

En este recorrido me llamó la atención ver que los que verdaderamente ganaron la revolución, Orozco los muestra aún como derrotados, imágenes que hablan de una verdad que a más de un lustro pesa más y más: los mexicanos estamos derrotados ante un anhelo de modernidad. Protegidos en agonía por una Malinche que no sabe decir no. Y perdidos como pueblo porque los que proponen el camino están ausentes o tienen miedo.

La única manera de alcanzar la modernidad es atendiendo nuestra obsoleta presencia y rompiendo nuestra cultura por medio de la creatividad y la experimentación, para armar el caos de los aciertos y lo errores. Romperlo otra vez y esperar. Por último responder a las consecuencias sean malas o buenas.

La NUEVA SANGRE

Tuesday, October 26, 2010

Ensayo sobre la ceguera que provoca todo lo que hay para ver.

Estimados homínidos, les propongo para la primera edición un ensayo que hice a partir del tema de la diversidad en la contemporaneidad; que seguramente tiene que ver con el tema de lo nuevo, desde el punto de vista de la actualidad.


  1. Para tratar el tema de la contemporaneidad creo que son de más importante los conceptos de diversidad, novedad e inmediatez. Tanto el desarrollo de las tecnologías como el avance de las libertades ideológicas han sustentado el derrame de información que experimentamos en la actualidad; a pesar de las restricciones que tratan de controlar el contenido de los diversos medios de comunicación sabemos que es posible encontrar exactamente lo que se busca si se sabe cómo. Tenemos pues un banquete inmenso de información, difícil de categorizar o enlistar; que responde al fenómeno de la superpoblación mundial, tendencias, gustos, cosmogonías, todo generando conocimiento a un ritmo sin tregua.
  2. Esta diversidad hace utópica la idea de entender algo en su totalidad, tantos puntos de vista dejan a la objetividad en un marco risible por su insuficiencia al considerar todas las partes de la información.
  3. En cuanto a la categorización para el estudio de los fenómenos culturales, nos encontramos con que el constante bombardeo de conocimiento enceguece los límites que podrían ser usados para la delimitación por su amplitud. De esto deriva un problema de valor que es síntoma de la patológica expansión de la información: ¿cómo reconocer una partícula valiosa? Los fenómenos de control de información para las masas como el Super Star funcionan como picos de la pirámide, es decir, una convención impuesta de valor que sirve de referencia por lo menos en cuanto a popularidad, pero sería ingenuo considerar un sistema de valor prefabricado como lo legítimo en cuanto a trascendencia cultural.
  4. ¿Qué sucede con el resto de los hechos que no se manifiestan en medios de distribución masiva? Pierden valor en cuanto a la trascendencia general en la cultura, pero ontológicamente deberían ser considerados al mismo nivel. Por lo tanto la cantidad inabarcable de información devalúa inmediatamente cualquier avance o proyecto que no esté insertado en los sistemas de difusión.
  5. Por otro lado aún la información expuesta al alcance de todos no está exenta de su devaluación pues al encontrarse junto con millones de nodos de información similares pierde su “aura”, su noción de originalidad; es el caso de un fenómeno reciente, el que me gusta denominar BloggerFagia, hasta hace algunos años no era posible la exposición aleatoria de información puesto que los usuarios no contaban con interfaces amigables, el lenguaje de codificación de la red era cosa de especialistas; con portales como my space y Blogger la difusión de la información en linea pasó a ser un tema clave de nuestra actualidad, cualquier individuo tiene la posibilidad de difundir su producción de manera ilimitada, sin restricciones causadas por la nacionalidad o el estrato social. Luego, poco a poco son más los usuarios interesados en ramas específicas de la gestión cultural que cada vez con más frecuencia visitan adictivamente los blogs que se actualizan por minuto, repasando con un ojo indiferente toda la información sin valorar cada entrada como algo único. Este fenómeno representa la contemporaneidad.
  6. El estudio del conocimiento se asimila como un problema que se intenta resolver con nomenclaturas que abarquen tendencias incluso aún difusas; las mismas taxonomías contribuyen a la confusión, puesto que a la vez varios autores describen el mismo fenómeno con diferentes nombres y razones que a veces tienen que ver más con la lírica intelectual que con la descripción entendida y bien fundada. Si se quisiera controlar el flujo de información en un nivel eficaz se corrompería la facultad humana de su desarrollo individual. Existen también estratos como el del mini super star que se desenvuelve en pequeños marcos de convención, grupos aislados, a veces congruentes a veces no, que intentan trabajar al unísono por una ideología común; algo así como la microcultura y la macrocultura.
  7. La manera de legitimizar un fenómeno reside en los medios de control, el conocimiento al servicio del más poderoso. Por eso, en cuanto al arte, los movimientos radicales y transgresores que conocemos terminan siempre en los museos nacionales. Luego, qué importan los museos si se puede vender obra a los coleccionistas, oferta y demanda, siempre pendiendo de la subjetividad del que posee el dinero. Ergo, nuestro entendimiento de la “evolución” del pensamiento artístico depende de la sección específica que se haya adaptado a los gustos de un observador subjetivo. La memoria histórica es un cuento enmarcado en páginas de libros o en portales de Internet.
    Rubén Romero, mayo 2010.
krowitna@gmail.com
www.provisionall.blogspot.com