Monday, November 15, 2010

Monday, November 8, 2010

ASTERISCO*2 - SIG NÚM

Chicos, el tema de la siguiente publicación es:
"LO OTRO"
Esperamos sus trabajos.

numero 1: lo viejo y lo nuevo

aqui van los avances del primer número. faltan varias cosas por corregir pero para que estén al tanto:

AQUI pueden descargar el PDF.

NUEVO Y VIEJO



"200m de Papel Metálico"
Registro de la huella y desgaste por uso humano. (Muebles forrados en papel metálico)

Sunday, November 7, 2010

comentario sobre el texto de Groys

¿Qué y quién es lo suficientemente nuevo para representar a nuestro tiempo?

Tal vez solo si nos vemos a nosotros mismos y nuestro entorno cotidiano se alcance aunque sea metafóricamente a hablar sobre lo nuevo.

Y es que si somos sinceros, si vemos a nuestro lado a una persona hablando desde su i-phone en video llamada podríamos argumentar que el teléfono se inventó en 1871 por Meucci y que de igual manera el video ya tiene unos cuantos años en el mundo. Es decir, parece que lo nuevo es una consecución del desarrollo de lo ya existente y que difícilmente se puede encontrar algo que rompa totalmente con lo que ya hemos visto.

Aún así, lo nuevo es una aspiración bastante vieja que el hombre postmoderno todavía tiene, ya sea por una necesidad de consumo o un deseo de diferenciación cultural de la igualdad con la masa. Tal vez por ello el movimiento Dadá al ser de gran ruptura, nos sigue seduciendo, y es que pareciera como si el futuro ya no prometiese nada fundamentalmente nuevo y nos encontráramos en una repetición sin fin del pasado, de hecho podríamos decir que aún en hoy a punto de inaugurar el 2011 no nos podemos desembarazar de lo retro.

Lo más sano sería desmitificar a lo nuevo y señalar que no es un índice de la libertad, la verdad, la esencia, el sentido, la belleza, etc., si no mejor dicho, lo nuevo es la trasmutación de algo ya visto y tal vez hasta cotidiano, en otra cosa, es como un ready made real o simulado, pero es de esta transmutación cultural que surge como algo singular valioso.

Ahora bien, además del ámbito cultural de lo nuevo, también debe reconocerse su lado económico como un proceso mediante el cual la exigencia de lo nuevo pertenece a una obligación económica que determina la vida entera de las sociedades. No sobra decir esto en una sociedad de consumo que megavaloriza lo nuevo hasta convertirlo en fetiche (!)

Por otro lado, parece que hoy por hoy lo nuevo enaltece lo banal, ya no es lo nuevo algo que implica una oposición radical contra lo establecido, a veces tomando extremos políticos, no es mera coincidencia que muchas veces los inventores estuviesen atrás de rejas reales o simbólicas.

Al parecer esta sequía actual de lo nuevo crea cierto vacío que a su vez crea un deseo y expectativa que se le trata de llenar con lo diferente, con la importancia de lo otro, lo lejano que no se conocía a profundidad, presentándose como una nueva posibilidad de habitar desde lo culturalmente valioso de la otredad. Esto es ya utilizado como estrategia desde el mercado y se le puede observar en la Putumayo-culture, y es que en el fenómeno musical se pueden encontrar desde hace ya algunos años las fusiones más irreverentes como el metal con música tradicional hebrea, hip-hop con son jarocho, mozart con electro, en fin, todo lo que se les ocurra.

Por otro lado, al contrario de lo que dice Joseph Groys, me parece que hoy, de la conservación de lo realmente valioso entendido como las nuevas producciones de ideas; se ocupan sistemas técnicos, ideológicamente NO NEUTROS (!). Es decir, me parece que la idea del autor de “un solo sistema neutro” (pág 56) validando los productos culturales que se transmitirán al futuro como un centro, es arcaica. Por el contrario, me parece que el sistema mundo al ser hoy multi-polar crea diferentes filtros para seleccionar que se transmitirá hacia el futuro, de tal manera que China creará cosas diferentes a las de la India o África, claro que sin excluir que podrán existir puntos en común, pero sin olvidar que las lógicas del poder filtran la mayoría de las decisiones de consumo y producción.

A manera de conclusión señalaré que:

  1. Lo nuevo sabe que si asegura estar en el futuro formará parte de los archivos del pasado en algún momento!.

  1. Lo más nuevo hoy parece ser, como ya se venía observando anteriormente en la historia moderna, lo más trivial.

  1. Ante el vacío de lo nuevo surge la importancia de la otredad.

  1. Para alcanzar el status de valor de NUEVO se deben crear cosas:

· que sean valiosas, osea que se les consideren suficientemente interesantes para conservarlas, investigarlas, comentarlas y criticarlas.

· que sean nuevas en relación a los archivos de la cultura.

· que se les integre en la memoria cultural.

Lo nuevo es en el fondo la consumación de una comparación de algo con algo, una comparación que hasta ese momento no había tenido lugar, por que a nadie se le había ocurrido. Joseph Groys.

portada

Son las 10:oo am y se cierran las votaciones de la portada!!!
la portada de Tamara es la ganadora!!



felicidades Tamara :)

Saturday, November 6, 2010

No es sobre lo nuevo, si sobre Groys.

Este texto no pretende hablar sobre lo nuevo ni proponerlo.

Es ya bien sabido que el Leit Motiv del arte contemporáneo – entendiendo por contemporáneo lo que sea que hayan escrito en su ensayo sobre lo contemporáneo, los que lo hayan escrito, y los que no, supongamos que estamos en el entendido de que lo contemporáneo nos remite a modos específicos de producción de teoría y de arte que, en su conjunto, son algo así como una nueva academia - es el intento por unificar el arte y la vida. Y es igualmente sabido que eso ya no es una novedad. Extinguir la distancia existente entre los artefactos que están dentro de los límites arquitectónicos, ideológicos e institucionales del museo y las cosas que existen en la periferia habitual y mundana de la vida real es un problema que ha sido casi que ridiculizado por el ready-made. Ese impulso vitalista, que abanderó al expresionismo abstracto como una forma de negarse al arte del pasado, a la tradición pictórica y en cierto sentido a la jerarquía del arte – a la institución artística – parece un poco acartonado y momificado en la actualidad. Es algo que ya está hecho, y como dijo alguna vez Frank Stella : “si una cosa ya está hecha, agotada, acabada ¿qué sentido tiene dedicarse a ella?”

Robert Smithson pensaba que los espacios museísticos o galerísticos eran espacios de neutralidad, lugares en donde el arte perdía su vitalidad – su fuerza fundamental, casi que su aura – y sus contenidos se lobotomizaban de la manera más vil. Y no era el único que pensaba así. Esa actitud permeó en varios artistas hasta convertirse en una postura legítima desde la cual se producía arte no-coleccionable. Un tipo de arte que no pudiera ser contenido, porque al no ser contenido, definido, estrictamente no se podría convertir en algo con lo que se pudiera comerciar, o en un collectible, o en una suerte de animal disecado. Entonces el museo era el gran cementerio y nadie quería que sus obras de arte fueran momificadas apenas habían nacido, por lo cual se hicieron varias estrategias para hallar el modo más efectivo de usar el desfibrilador en el caso de que el nuevo arte tuviera ataques cardiacos.

Una fue hacer un arte que , literalmente, fuera incontenible, es decir, que tuviera magnitudes realmente meta-monumentales; el arte estaba también en los lugares que podías caminar, el arte como paisaje, como un acontecimiento en el vasto terreno periférico a los monstruosos muros chupacerebros de los museos.

Como en todos lados, había gente menos radical que creía que la pintura era un lugar propicio para llevar a cabo la Gran Odisea de la vitalidad: El expresionismo abstracto direccionó toda su energía al desarrollo de un tipo de pintura cuyo objetivo era mantener viva a la pintura misma; un modo de hacer pintura que unificara el hecho de estar vivo con el hecho de crear, un lugar habitable para el artista. Y entonces el arte era un acto eyaculatorio, el Segundo Gran Homicidio de la Gran Tradición de la Pintura Europea[i] era algo similar a eyacular en repetidas ocaciones sobre el lienzo tirado en el suelo.

Y así hubo varias más, podemos estar seguros.

Lo interesante del asunto es que muchas de las obras de esos artistas se convirtieron en artefactos perfectamente coleccionables. Y justamente lo que permitió que eso sucediera fue su novedad: ese tipo de posturas permitieron crear obras novedosas, que no se sujetaban a los modos de producción tradicionales, tanto esquemas teóricos (leer a Smithson) como modos de utilización de la materia. Esos artistas hicieron cosas que no se habían hecho antes, y al hacerlo, fueron los que cortaron el listón de las diferencias relevantes.

Y ya que los museos son las instituciones que se encargan de preservar y recuperar las diferencia más relevantes que son las representativas de un lugar en un momento específico, el destino de esas obras nuevas era inevitable. La pretensión del museo es la de hacer una representación de lo histórico, de los hechos , de los objetos, de los productos culturales que , por su novedosa manera de articular nuevas diferencias, se vuelven relevantes en tanto que no son lo que la tradición decía lo que debían ser las cosas.

Pero un momento. ¿Qué acabo de escribir? ¡Oh, por dios y por todo lo demás en lo que no creo! ¡Acabo de decir que la tradición misma es la que decide que es lo nuevo y que no es nuevo, basada en la normatividad de lo coleccionable establece sus códigos de relevancia! Lo único bueno es que antes que yo, lo dijo Boris Groys. Y no he leído mejor manera de defender la institución artística por excelencia que la que escribió, debo reconocerlo, aunque yo piense hipócritamente que no por ser brillante deja de ser deleznable su tan valerosa – y seguramente comprometida – defensa.

[Este texto debió titularse Boris Groys y su mitología sobre lo nuevo y el museo ][ii]

El museo establece su poder y su valor como institución a partir de que aparenta haber resuelto el problema planteado por los artistas: la disolución de la dicotomía arte/vida. El museo colecciona, hace acopio de cosas pertenecientes a lo real, y en tanto que la realidad se mantiene en movimiento, se producen novedades. Entonces, en el momento en el que el museo acumula estas novedades, parece estar coleccionando lo vivo, resguardándolo de la muerte y del olvido de los eones; da la impresión de otorgar vitalidad a lo que preserva dentro de sus colecciones, lo que deviene en la verdadera pretención del museo como institución: El museo sugiere una representación de lo histórico, entendido esto como una epifanía temporal de la subjetividad creativa en un lugar donde sólo hay una mezcla incoherente de artefactos. Esta presunción del museo legitíma a la novedad, le da pertinencia en función de una reestructuración de la verdad que da sentido al mundo, y, en tanto que esa tarea se lleva a cabo, el museo se autolegitíma como el depositario de la tradición, de la historicidad y de la verdad. Lo que ya es todo y la retórica ad infínitum.



[i] El Primero, para muchos, fué el Gran Vidrio de Duchamp, que, siendo más precisos, es una crítica a la retinalidad del arte de vanguardia. Pero yo que voy a saber si no lo he visto.

[ii] Si, en efecto. Se trata de mi reciente acercamiento a Roland Barthes y las mitologías contemporáneas. Si hay algo que debo decir que sé sobre semiótica, es porque lo he aprendido ahí. Y en estricto sentido, el último párrafo es un ejercicio a la manera de Barthes.

Thursday, November 4, 2010

Lo viejo, lo nuevo y lo eterno. Marco Caballero

"Un pequeño paso para el hombre, pero un gran salto para la humanidad" ¿Es necesario adjudicar la cita? Una de las frases más escuchadas en el siglo XX gracias a los medios de comunicación. Neil Armstrong caminando por la luna mientras el mundo sentado en un sofá era testigo mudo de sus propios pasos hacia el progreso. Sin duda un emblema de la esperanza que se depositó en el modelo moderno. Pero hoy a cuarenta y un años, la humanidad probablemente siga dando pasos agigantados, sin aún saber hacia dónde. La noción de verdad está completamente disuelta entre un mar de posibilidades y la euforia tecnológica disminuye ante el hecho de que el mercado mejora sus productos en pequeñas dósis, aún teniendo desarrollados los equipos de los próximos diez años. La mejor tecnología del mundo es la militar y aún no hay manera de detener el desgaste ambiental. A todos los niveles, la tecnología tampoco es una gran guía hacia ningún lugar.

¿La humanidad perdió entonces su sentido del "adelante"? Por lo tanto, el arte de vanguardia, de existir, tendría que ser cuestionado: ¿La vanguardia de quién? y por lo tanto la vanguardia de unos sería inmediatamente la retaguardía de los otros, y a fines de esto. En un universo en el que no existe arriba, abajo, norte, sur, izquierda o derecha, no tiene sentido hacer arte de vanguardia. Los hilos negros y las aguas calientes han sido descubiertas y ante la frustración de algunos, podríamos dedicarnos a hacer otra cosa. Dejar de tratar de descubrirlos y en lugar de ello, usarlos o no, según el interés propio. El arte exige olvidar los prejuicios y permitir que lo nuevo se revele, no como el triunfo moderno que representaba, sino como la puesta sobre la mesa de un pedazo real del mundo y no, un intento de sorpenderlo y rendirlo ante los pies del genio-artista.
Lo viejo está en todas partes y vivimos entre su esencia.
Lo nuevo se busca con el ansia de alcanzar la eternidad.
Lo eterno no existe, cada día más personas se resignan ante la posibilidad de ser olvidadas.

Monday, November 1, 2010

SOBRE LOS TEXTOS

Estoy viendo que los textos son muy largos la mayoría, y que el formato que propusieron meter dentro de la caja es muy corto, por lo que sugiero:
1. QUE TODOS LOS QUE YA HAN SUBIDO LEAN DE NUEVO SU TEXTO, LO EDITEN Y VUELVAN A SUBIRLO.
2. QUE SE PROPONGA UN MÁXIMO DE LARGO, PROPONGO 3/4 DE CUARTILLA.
3. QUE SEA UN POCO MAS GRANDE EL ESPACIO DONDE SE VAN A METER LAS COSAS.

Zaz.. Tamara

Sunday, October 31, 2010

Lo viejo. Lo nuevo.

Lo nuevo es

Hablar es una palabra de 6 letras. La palabra “seis”, no.

Deus amae ironiatum complexia.”

El día que se bombardeó Hiroshima, la humanidad perdió su inocencia.

Una flatulencia de 6 años y nueve meses equivale a la masa crítica de una bomba atómica.

La oración anterior no tiene sentido científico, pero hablar de pedos y bombas atómicas lo tiene.

Además de los lemmings, los humanos son la única especie que se “suicida”.

En su “procesamiento”, el cerdo es el animal más aprovechado : 90% de usos. Desde el alimenticio hasta el médico y textil.

El orgasmo de un cerdo dura 30 minutos, más del 77% de las mujeres de 40 años reporta nunca haber experimentado el orgasmo. De un cerdo.

Además de los humanos, los delfines son el único animal que cree que “hace el amor”.

PUNTO


Los diestros viven en promedio 9 años más que los zurdos.

La población homosexual es un 35% más zurda que la heterosexual.

Freddy Mercury no era zurdo.

Hasta 1972, la homosexualidad era considerada una enfermedad mental en E.U.A.

en el 2004, por cada página web no pornográfica, había 7 que sí lo eran. En el 2009, la relación es de 1 a 16.

El 65% de las páginas web pornográficas es creada en E.U.A.

PUNTO


Tomas Alva Edison temía a la oscuridad.

Esta comprobado que las personas afroamericanas con mayor concentración de melanina son más resistentes a enfermedades como la viruela.

El término “Viruela” viene del latín “Virae”, que significa “veneno”.

Médicamente, es permitido fumar de 1 a 3 cigarros al día en locaciones tales como minas, basureros, y ciudades como el Distrito Federal.

La densidad de personas pelirrojas del D.F es de 1 por cada 100,000 personas.

La densidad de personas pelirrojas en África del Norte es de 1 por cada 4 millones de personas.

En espectro lumínico, después del “rojo” sigue el “negro”.

El corazón de un canario late aproximadamente 1000 veces por minuto.

PUNTO


Con 1000 pesos – 25 / Junio / 2009 – se compran aproximadamente 2.5 canarios.

Hay más billetes de 100 dólares en Rusia que en E.U.A.

Hay más gatos “Azul Ruso” en E.U.A. que en Rusia.

La gente habla con los gatos. Nunca al revés.

Al revés”, al revés, no es “Al revés”.

PUNTO


Por que lo viejo es.

Los colores de los objetos percibidos por el ojo humano, no son el color percibido por el ojo humano. Son todos menos ése.


Pérez es a México, como Chang a China, Smith a E.U.A. y Rodríguez, a Cuba.

Punto.

No es que yo sea un gran escucha. Es que tú simplemente no te callas.


Saturday, October 30, 2010

Reseña de la exposición de José clemente orozco: “Pintura y Verdad”

Vi la exposición con ojos nuevos, es decir, deje cualquier juicio o idea que tenia de orozco antes de entrar y fui lo mas sincero en mi percepción, y seré sincero de nuevo, se me hizo una porquería. No conozco toda la obra de orozco pero lo que estaba ahy era despreciable, lo único que se salva son los murales pintados en la construcción. Tratare de no repetir lo típico y haré un juicio totalmente desde mi punto de vista. Me di cuenta como había empezado con caricaturas y con retratos y al final realmente hacia lo mismo, solo que a la moda de la época, y se había pirado, mucha sangre, y formas que me remiten a Rusia impregnan su obra final, grandes y pesadas. De verdad no lo disfrute y ahorita que trato de acordarme estoy pasando un rato desagradable, vaya, ni siquiera tiene sensibilidad para combinar bien los colores, solo son plastas. en fin, creo que al final estaba loco, loco en el sentido de pirado, como un esquizofrénico, y como el, muchos mas esquizofrénicos han logrado convencer a las masas de alguna realidad, en su caso una especia de lucha interminable sangrienta y disque poética. Pero bueno, creo que la culpa no es del pintor si no de la gente que ve esas cosas y cree en ellas. Lo que si disfrute de ir a la exposición fue que me abrían las puertas cada vez que entraba a una sala, también me deleite en la tranquilidad y el silencio de el patio central.

❋❋☆€ᏫᏫ£ ΞƒƒeKŦ§☆❋❋

propuestas de portada:

la más minimalista primero:


y las demás:






y para contraportada:



Guion para presentación del libro Ad Reinhardt “Una pagina de chistes”. Para leerse en un tono cercano al de Jonathan Edwards predicando su “Sinners in the Hands of an Angry God.”

-Jose Luis Sanchez Rull


Lo difícil es platicarles las páginas de Ad Reinhardt, como difícil es platicarles sus pinturas obscuras con retículas invisibles, platicarles la relación entre textos e imágenes de las páginas de Reinhardt y sin perder el chiste.

Un artista nunca debería abrir la boca pero…

Esta pagina es un mundo plástico en si misma.

No, las paginas hay que verlas con un ojo, un ojo que no sea un huevo vacio ni la carcacha de una cámara si no el sentido-ver de un sistema-estructura que es la caja cerebro de cada uno.

Estas páginas son una investigación en cuanto a lo fundamental advierte Ad al espectador (tu)…

Y en COMO VER LAS COSAS a través de una copa de vino, critica al hacedor de cuadros como el peor enemigo del pintor moderno ya que este provoca en la gente la ilusión de que no necesita saber nada de arte ni de historia del arte para entenderlo.

Pero el mirar no es tan simple como podría verse y en cuanto a un cuadro, si no vale mil palabras al diablo con el.”

Al terminar la reseña, el hit parade de copas de imitación clásica, de crudas impresiones, de copas de las que uno nunca se le ocurriría beber (como la de Van Gogh), copas futuristas que siempre se verán como un perro caminando o una cola que se menea, copas constructivistas: elementos estructurales de todas las copas y de todas las cosas: ¡un finales y un muy fresco comienzo! . . . entonces deja un plano en blanco: inténtalo tú mismo, tú tienes el cosmos en un color.

No terminamos, si no que empezamos con un espacio plano. Un artista trata de darle vida – tu eres finalmente su tema - , el intentara darte vida. Interesantemente en la parte inferior de esa página hay un monigote encolerizado y rompiendo copas. ¿Hay que verlo!.

Hemos visto que tanto la luz como el tiempo son espacio, que usted mismo es un espacio.

Virulento y acertado, algunos estilos contemporáneos:

Abstracción del ojo de pescado y de la higiene femenina.

Abstracción de remiendos y edredones

Neofilisteismo

Clasicismo Romántico

Regionalismo Geométrico

¡Oye, a poco no cualquier maldita cosa es ahora abstracta?, ¿oye?

¿JA JA ESTO QUE REPRESENTA?

¿JA JA TU QUE REPRESENTAS?

Una página para la noche-que-se avecina sobre el Arte, por Ad Reinhardt.

Guiamos al público por las narices y les damos atole con el dedo.

EL ARTE ES UN MISTERIO PARA TODOS EXCEPTO PARA MI.

Mas es más:

Se arrogante, se elegante, se listo, dales el puño, dales la muñeca, mételes el dedo.

Soy un artista y quiero pintar tu retrato, mielecita, dame un besito.

Importante subrayar esta constante antipatía en relación a sus colegas, Reinhardt sufría de un odium figulinum crónico:

Museo del Arte Común y Corriente

¡El club más grande del condado para gente como nosotros!

¡Todo tipo de expresionismos!

¡Todo el mundo es nuestro amigo!

¡A todos los amigos los quiero en la presentación!

Ahora, Reinhardt siempre, siempre se incluye en el rebaño, no se hace de enemigos, más que de ese enemigo que trae colgado a la espalda.

A su vez se cuelga de una de sus ramas genealógico-explicitarías para tirar patadas a las galerías interesadas en la “estética sobre volumen de negocio y técnicas mercantilistas.”

Escuchemos lo que piensa sobre los concursos:

UNA NOTA SOBRE LOS CONCURSOS

Un concurso es una carrera de ratas, un pinche asunto de perro-come-perro y una total cancelación de la actividad creativa. No hemos tenido un siglo con un arte – culto – en divorcio de – una – vida – dedicada – a - conseguir – el mugroso dinero mal habido. Un artista creativo genuino no compite con nadie más que consigo mismo, ¡que chingaos!

Por treinta monedas Judas se vendió a si mismo, no a Cristo.

(No voy a entlal a la competencia de la Pepsi-Cola porque podlia no ganal plemio)

¡Tu sufrimiento de melcocha!

El artista como sabio demente de libre ir y venir

El artista como criatura de las circunstancias y los curadores

El artista como victima de las fuerzas ciegas y los críticos

El artista como parasito de la naturaleza y el mecenazgo.

A través de sus páginas de chistes visitamos el bolerama, las carreras de caballos y el box, los mándalas, las lecciones de anatomía, óptica y física quántica:

Paja: Pollock contra Dekooning, el gato rastrero de Wyoming contra el carnicero Holandés.

Viejo sentimental contra neo entusiasta.

¡LAESCUELADENUEVAYORKYAFUE!¡ELARTEDEVANGUARDIAESTATOTALMENTEFUERA!¡ELJAMONAMERICANODELAOBSTRUCCIONABSTRACCIONEXPRESSEXPRESIONISTASEDESGASTABAJOPRESION!¡BUENDIA!

¡Más goterones!

¡Más fantoches!

¡Más sangre, más objetos!

¡Más mártires, más negocio!

-Hazte a un lado, yo quiero pintar mujeres bellas e internacionales

-Mi amor

Una pintura abstracta reaccionara a ti si tú reaccionas a ella. Obtienes de ella lo que le das. Se encontraran a medio camino, pero no más allá. Esta viva si tu lo estas. Representa algo y tú también. Tu, mi señor, eres espacio también.

JA JA TU QUE REPRESENTAS

Estimado Sr. Reinhardt

Permítame felicitarle por su serie PM sobre el arte moderno, que increíblemente se las ingenia para ser igualmente informativa y divertida. La mayor parte de los acólitos del arte moderno tienen tan desagradables y respingonas actitudes hacia el no experto y sin tutoría, como yo, que simplemente invitan a la irritación, pero su fervor de misionero esta tan bien templado de humanidad y buena disposición que es una delicia.

Sinceramente suyo,

Sinclair Lewis

El arte no es una bolsa de trucos del oficio o habilidades de repetición y macheteo, una propiedad de pocos, si no una peligrosa arma de propaganda para cambiar y controlar el mundo para que todos puedan ser más creativos.

Por ultimo:

THEY SAW POETRY IN THE FACT THAT THEY WERE NO LONGER LYING, observa Anna Karenina en cuanto a los trastornos hacia el realismo en la pintura francesa después de una sobre sofisticación hermética en el manejo de técnicas y temas, Reinhardt observa esta poesía, produce esta poesía, su obra y sus páginas de chistes son desbordantes de ella.

An honest tale speeds best being plainly told.

William Shakespeare, Richard III

Esa es una, la otra es enmarañarlo todo pero dejar al que te escucha con la sensación de que con toda la complejidad y la contradicción de describir como las cosas deberían de ser, como se debería ver, desde una escena particular del arte, con sus antagonismos, diletantismos, comercialismos y mediocridades, insiste esta claridad, este bien y firmemente apuntalar el como ver.

No it ain`t going to be easy getting no sweet gorgeous girlfriend, but now at last we start to know better HOW TO SEE.”

Whatever colors you have in mind, I show them to you and you see them shine.”

Bob Dylan – Nashville Skyline






Thursday, October 28, 2010

ASTERISCO*1 - Diseño


DENLE CLICK A LA IMAGEN PARA PODER LEER EL TEXTO QUE VIENE EN MEDIO.

Aquí va la portada que les había presentado antes, para economizar tintas el texto podría ir sin color, mostrando el color del material de fondo. Osea que tendría que ser un color muy claro o un poco oscuro para que no se mimetice con el cartón que se escogió: propongo magenta o morado.
Si va a dos tintas entonces no importa el color de fondo que se elija.
Ah! propuse una abstracción del nombre a partir de su símblo, con el número de a edición para el lomo. Tamaris.

La eternidad de los objetos de arte.

El arte está asociado con lo nuevo y lo viejo, con la vida y la muerte, es un triunfo ante el tiempo irreversible de la historia del arte, si se representa el pasado se está representando la propia muerte de algo nuevo, es así que la vida llega a un desgaste y envejece al trascurrir el tiempo. El pasado se ve como un retroceso al presente que nos lleva a crear algo vivo, nuevo e inmóvil en la realidad contemporánea, si logra mantenerse en la existencia puede decirse que será eterna.

Existe una falsa conciencia del tiempo que paraliza al artista, este es el proceso de producción en el cual se ven obligados a diferenciarse de la presencia pasada (obras ya establecidas en la historia del arte), es un pasado que encierra un poder superior al tiempo, que denota vida aparentemente eterna con la sobreprotección colectiva: Estado, historiadores, artistas, galeristas, críticos, curadores, coleccionistas, etc. Es una conservación retorcida del arte, que a la vez genera lo nuevo y que por sí sola se desplaza al pasado. La preocupación por crear algo presente, nuevo y vivo para la memoria colectiva puede ser engañosa y más aun pensar ambiciosamente en adentrarse en el sistema y en el mercado del arte, es importante concientizar que al competir contra el pasado se compite contra la muerte, no se puede ser dios como para resucitar su propia creación, pero ¡sí! se le puede otorgar nuevamente existencia entre las cosas, diferenciándolas a partir de la funcional de lo que para hoy es viejo.

La construcción de la historia puede ser la base del tiempo para el desarrollo del conocimiento, pero también es la base innatural del tiempo del que no conocemos, es una memoria impersonal, escrita y administrada por el poder. El sujeto tanto como el objeto tiende a permanecer inmóvil en el tiempo irreversible de la historia, es un modo de comunicar las cosas ya establecidas y concientizar que están muertas para el presente pero tienen vida mientras estén expuestas ante la mirada del arte. La historia general se construye colectivamente de la memoria ajena, la historia de una obra de arte se edifica a partir del desprendimiento personal que su vez garantiza un lenguaje que permanece en la memoria colectiva incorporarlo continuamente fuera de la muerte.

La memoria es un concepto que tiene la facultad de retener, recordar y reconocer el tiempo irrevertible del las cosas, en el se almacena el pasado vivencial. Cualquier elemento vivo o muerto tiene una carga memorial irrepetible que genera eternidad existencial. ¿Cómo es que la memoria de un objeto se transforma en conocimiento para el estudio de la historia? Esto sucede cuando deja de ser un simple objeto para ser un objeto de arte, esto a su vez está asociado con la protección de una memoria colectiva lo cual lo hace eterno pero envejece de cualquier manera. Así La memoria se transforma en un conocimiento de experiencias esto es para beneficiar una actuación futura del pensamiento.

“El arte de vanguardia no expresa ningún gusto, ni el gusto del público, ni el personal, ni tampoco el gusto de los propios artistas. El arte de vanguardia es elitista, simplemente porque se crea bajo una obligación a la que el publico general no está sujeto” (Boris Groys). La vanguardia no se refiere a ser más abiertos con el concepto histórico, ni ser más radicales con el pasado, es más bien interpretar nuestro propio tiempo, representar el lugar donde estamos parados y personificar el espacio donde queremos situarnos, demostrando siempre lo imperceptible, lo intangible, lo ilegible de las cosas que viven y que están presentes en nuestro entorno y que a un corto o largo plazo serán revaloradas como una obra de arte, a partir del pensamiento interno. Un objeto que está presente en el arte, lo está por que el artista parece estar presente y vivo en el objeto.

Una memoria que proviene de los objetos le otorgan poder al pensamiento del hombre, la reflexión y visibilidad de la memoria son aspectos imperceptibles, si no existe la experiencia jamás será posible mirar todo el panorama de la superficie eterna.


Luis Valverde

exposición de J.C. Orozco en San Ildefonso

Mi impresión general de esta exposición es que integra de una forma eficaz las etapas más destacables de un pintor que, por su voluntad representacional y por su determinado carácter sigue siendo vigente. Con un total de 34 ejes temáticos el espectador puede sentirse partícipe del desarrollo del estilo pictórico de Orozco, así como entender el contexto en el que se desenvolvió, pasando de las prostitutas de cabarets, tanto como las instituciones que lo vieron crecer en el muralismo mexicano. Considero que las obras se encuentran bien organizadas y en un clima propicio para cada técnica empleada. Los recorridos de la exposición (que involucraban salir y entrar por las muchas puertas del complejo de San Ildefonso, así como falta de algunas señales) me parecieron un tanto complicados. Por otra parte, en el módulo de información se me ofreció la visita guiada de un guía en específico, el cual se ausentó debido a una supuesta entrevista para dar promoción a la exposición, situación que retrasó mi recorrido y en la cual colocaron a una guía reemplazo que dejó tanto que desear, que me vi en la necesidad de realizar el recorrido por cuenta propia. En materia de pintura, encontré obras específicas con las cuales tuve mayor empatía, como la primera zona, de retratos al óleo, una etapa que desconocía del pintor, y además una que no parece repetirse en términos de representación en el resto de la exposición; así también de manera curiosa, otra de mis favoritas fue de sus últimos años, donde comienza a representar fantasmagorías propias de un hombre que se va topando frente a frente con la muerte que viene cada vez más cerca; quedan fuera las representaciones del México social y representado ya de reiteradas maneras, y lo substituyen alucinaciones, cráneos, paisajes surrealistas pero con una carga de melancolía que llamó mi atención sobre lo demás. Comprendo a Orozco con un contexto bien determinado, que es la asimilación de la revolución y las propuestas didácticas de las instituciones académicas del México del siglo XX. Partiendo de ahí, lo que encuentro digno de ser resaltado es un discurso que parte más de lo impetuoso, del choque de contrastes, de la afrenta, que de un mensaje político monótono y puramente ilustrativo.

Joao Balderas.

Ejes temáticos: (34 en total, exhibiendo 379 piezas)

'José Clemente Orozco: pintura y verdad'

• Retrato
• Caricatura
• La casa del llanto (acuarelas)
• Caricatura (2)
• Escuela Nacional Preparatoria
• Pintura (1)
• México en la Revolución
• Gráfica (1)
• Pintura (2) (Nueva York)
• Prometeo
• New School for Social Research
• Épica de la Civilización humana
• Catársis
• Gráfica (2) (1935)
• Paraninfo de la ciudad de Guadalajara
• Palacio de Gobierno de Jalisco
• Hospicio Cabañas
• Pintura (3) (1940-1945)
• Dive bomber and tank
• Suprema Corte de Justicia
• Alegoría de la mexicaneidad
• Apocalipsis (templo de Jesús de Nazareno (1942-1944)
• Ballet de la ciudad de México
• La primavera
• Turf club (1945)
• La verdad
• Pintura y gráfica (1946)
• Los teules
• Escuela Nacional de Maestros
• Retrato de Don Benito Juárez y alegoría histórica de la Reforma
• Pintura y dibujos (inéditos, 1949)

Reseña de exposición: José Clemente Orozco en San Ildefonso. Por: Juan Manuel González.

La muestra retrospectiva José Clemente Orozco, pintura y verdad, que se expone actualmente en el Colegio de San Ildefonso, y curada por Miguel Cervantes, se trata de la mas completa que se haya realizado sobre la trayectoria del artista jalisciense desde 1979.
En esta se hace un camino por cinco décadas de su producción artística, caricaturas, acuarelas, temples y dibujos, así como litografías, retratos, fotografías y tres murales son obra en las cuales su estilo épico se funda con un realismo de carácter expresionista, juiciosamente unido a las viejas tradiciones artísticas mexicanas, de agresivo dinamismo y amplia factura.
La museografía, organizada en gran medida por la arquitectura del antiguo colegio de San Ildefonso, se ha dispuesto en salas numeradas, ofreciendo secuencias y haciendo necesario la observación de los murales del sitio, para luego ser confrontados con los numerosos dibujos en los que se plantea el origen de los murales.
La trascendencia social de su pintura y el compromiso con las causas sociales, como la injusta situación del indígena, actualizan y dan frescura a su trabajo, pues las problemáticas, que siguen vigentes, deben hoy mas que nunca ser tratadas por el arte.

Comentarios de la lectura Sobre lo nuevo de Boris Groys. Por Juan Manuel González.

Parece demasiado a favor de las instituciones un artículo que defiende al espacio del museo como el único lugar posible para que se de lo nuevo en el arte, mientras que el arte allí vuelve a la vida. Sobre todo suena aún mas perturbadora la idea, cuando gran parte de los ejemplos que Boris Groys utiliza son Jesús Cristo. Investigando un poco mas sobre la vida de este autor, descubro que Boris Groys nace en la Alemania del este y que escribió Sobre lo nuevo cuando aún era comisario de arte en Rusia. Entonces me dan ganas de atacarlo mediante la falacia ad hominem, y decir que este tipo sólo quería quedar bien parado con la institución que le estaba dando la chamba, pues su argumento de porqué el espacio por excelencia debe ser el museo, es retórica pura. Son discursos psicológicamente persuasivos pero incorrectos. Sin embargo, rescatando algo interesante, para Boris Groys, lo viejo y lo nuevo guardan una relación mucho mas compleja que la de simple mirada tradicional de superación de uno sobre otro. Más bien lo nuevo no es mas que la re-valoración y re-significación constante de lo ya existente. Lo nuevo aparece como criterio de valor, y las obras de arte y los bienes culturales en general destacan, principalmente, si pueden esgrimir su carácter de nuevos. Por lo tanto es a través del museo, de la preservación del presente y colección del pasado que nuestra imagen de la realidad se va construyendo.

sobre lo nuevo de groys

Las posibilidades de creación y comparación de los archivos existentes siempre exigen o encaminan una lectura de lo ya hecho y no de lo que se hará. Por ejemplo , al ver una obra siempre lo que decimos habla más de nosotros y las comparaciones con otras , que lo que la obra en sus términos formales y narrativos plantea, existe el “backcground” cultural del constante flujo marcado en esta época por la posibilidad de información y los medios tecnológicos en que nos llega. Por ello pienso en algo a reflexionar en esta época de las “revisiones” y las prácticas artísticas proyectadas siempre al pasado por los lectores (instituciones, grupos de curadores, productores del mercado y de producción especializada etc.).
Con ello no refiero una censura que permita hacer el gran filtro de distinciones y marque el camino del “nuevo arte” sino mas bien, hablo de obras y prácticas artísticas que complejicen narrativas con un amplio marco de conocimiento, la inclusión de conocimientos de ciencias exactas y ciencias humanas aplicadas en los razonamientos y estructuración de las obras a producirse.
Esta idea se ha ido trabajando en las últimas décadas, pero es necesario darnos cuenta de la importancia de dicha vinculación entre diferentes campos de conocimiento. De esta forma, pienso que el arte en vez de que pueda ser un espectáculo servil a la “LaChapelle” será un menú de cuestionamientos desdobladles que las instituciones y sectores de poder querrán censurar, pero los “Cantos cívicos” del arte estarán ahí y tendrán resonancia en la época del archivo y el flujo de información.

Gabriel Ávalos Sánchez

Orozco: pintura y verdad

Línea suelta y de calma, colores fríos y cálidos, voces y vestigios que se hacen presentes, actuales “modernos”, cruce de pensamientos nacionales que logran la globalidad visual y la otra conquista de México en la cultura mundial en medio del período entre guerras, viendo el nuevo imperio norteamericano en el mapa, con el contrastado México del llamado “Maximato” o el ansiado progreso industrial de Cárdenas en la coyuntura bélica.
Las putas y las caricias, borracheras color tenue y sarcasmos lineales sintéticos expuestos en los diarios, o en técnica litográfica. Los temas por abarcar y abarcados: político, social y mundanos, actitud de vida y placeres sirvientes de las bohemias de los años 40 en las casas del placer, ya se divisa la segunda guerra mundial y en Nueva York otro complejo muralístico por pintar. Personajes, símbolos de cambios mundiales: Lenin, Cortés, San Francisco, reunidos y atravesados en una mano y pensamiento brillante, por fin el arte es “social “ pensaron unos en aquel momento, lo cierto es que está en la esfera del arte que es arte, el arte no sólo de la imaginación y el punto sobre el plano, la belleza está ahí, radica en la actitud de vida a través de los símbolos que se toman, que se eligen, más allá que sean identificables para muchos, que sean identificables para uno mismo, pienso yo que Orozco pensaba en ello durante la construcción de sus murales y su obra en caballete. “Lo que nos trasciende es lo que tomamos” me deja pensando ahora después de las monumentales pinceladas en pequeño y gran formato.
“Manifestación” expresión continua y contundente, sarcástica de sonrisas sórdidas en el siglo de las grandes guerras es una de las tantas muestras de furia, desolación, la sonrisa desenfrenada de las masas que cubre la boca de litográficos personajes reunidos, es la expresión de la locura del sin saber, la sombra de la conquista, la conformación de la república, la del Hauizote impreso burlón, la catequización a través de la colonización, la Revolución constitucional, la síntesis de los monstruos

personales . La risa cínica del sarcasmo cuando Jesús rompe su cruz, la risa disfrutable de una noche en el burdel. La risa de las risas de la pintura en trazos litográficos , quizá encarna la misma risa de Orozco al saberse inmerso en el medio institucional de la cultura, y expresar a través de sus imágenes auspiciadas en los muros gubernamentales, la risa de llegar a pintar lo sabido de la historia y de la sociedad pero lo que no se toca ni se habla en ellas, lo que se sabe pero que no es tema en el cual el gobierno indague pero el arte lo hace y lo proyecta monumental “ que no escape a los ojos de los demás” después de ser prodigio de un trazo excepcional: Orozco de los muros al boceto, del caballete al papel, de la ciudad al campo, de las películas al bastidor, del burdel a la Escuela Nacional, de lo contemporáneo a lo tradicional, de las putas a las bailarinas de ballet, del conquistador al conquistado, Orozco cabalgador de lugares.

Gabriel Ávalos Sánchez